火了一個夏天的《中國有嘻哈》終于落下帷幕，雙冠軍的爭議和愛奇藝這個局的“含金量”還會被議論一段時間。主辦方定義的“嘻哈元年”之后，中國Hiphop音樂乃至整個文化會走向何方，以及在這一季節目里出現過的面孔，他們今后在多元文化和商業市場雙重沖擊下究竟“過得如何”，則需要時間給出答案。當我們撥開這場“嘻哈盛世”，無論現場還是網絡上那些刺眼的光環和喧鬧的氣氛，去看看到底是誰在背后端出這么一盤“吃到撐”的網綜大餐時，節目音樂總監劉洲是其中一個不能繞過去的名字。

　　早在《中國有嘻哈》前，這位行內目前最搶手的音樂制作人實際上已經在《蒙面唱將猜猜擦》、《蓋世英雄》、《金曲撈》等音樂綜藝節目上擔任過制作人，甚至在《我是歌手》里也有過替韓紅和張杰做歌的履歷。劉洲為韓紅打造的一首民族歌曲《莫尼山》，也在她問鼎當季歌王的征途上立下了重要的功勞。因此，對于一個綜藝節目里音樂的分寸，即如何讓音樂的專業性與綜藝節目的通俗性網絡化能共融進退，什么時候音樂可以全盤接管整集節目的眼球，什么時候讓位于綜藝特有的一些娛樂特性，劉洲可是拿捏得相當熟練。《中國有嘻哈》里，劉洲與總導演車澈搭班子，如果說車澈是節目的一把手，負責節目的定位，走向，甚至還包括了一些明星和選手的選擇，劉洲則更像二把手，他帶著團隊按著車澈打造的產品雛形，往里面塞干貨填內容，讓整檔音樂綜藝節目，最終有了音樂性，有了可以讓人反復捧讀的內涵。而每一首出現在節目里的歌，包括之前他為其他節目做過的同樣的事情，都會落實到唱這首歌的人，于是這個歌手的形象也得以完整。最典型的例子當屬劉洲為譚維維制作的那首《華陰老腔一聲喊》。憑借著在春晚上的亮相，譚維維“民族搖滾第一人”的定位總算確立了，華陰老腔也成了她身上最有辨識度的故事。劉洲后來陸續替譚維維做了幾首民族與搖滾融合的歌曲，放到了不同的音樂綜藝節目平臺上，更進一步讓譚維維的民族搖滾風格完成了最終的進化。

　　讓劉洲在音樂這個行業能有今天的成就，其獨門武器首當其沖的是他對“定位制作人”的角色自我認知。在傳統的流行音樂行業，按照對自己創作主動性的話語權，音樂制作人可以分為三類。一類是接單型制作人，對于唱片公司對自己的要求不會(或不愿意)有過多的個人意識，特別唱片公司的營銷或者A&R工作本身已經很出色的情況下，制作人只要安分守己幫助歌手把專輯做出來就算完事，因此也可以流水線似的同時開好幾個案子。第二類則是溝通型制作人，他們會有一定的創意要求和唱片公司討價還價，最終在幾方溝通和妥協后，把成品做出來。第三類則是創意型制作人，站在制作行業最前沿，有成功的案例能說服唱片公司接受自己的意見，并且對自己的自主權被侵犯時反抗意識也是最強的。大家熟知的李宗盛，早年在滾石做的幾位歌手，大概就是屬于這樣的情況。實際上，劉洲自己也認為，李宗盛其實就是一位定位制作人，因為他不僅僅只是把歌做出來，他還讓這些歌好像長在了這些歌手身上，這除了需要制作技術的成熟，對市場的空缺認知，受眾分析，歌手本人的性格特點都需要有一個全盤通透的認知。這樣的制作人，已經超越了傳統的音樂制作人的角色，他們不僅是歌，甚至還是歌手的頂層設計者。劉洲要做的也是同樣的事情。

　　不止一個場合，劉洲解釋過他對“定位制作人”的理解：這是個全體系的，立體式的概念，不是單純的制作人的概念，定位制作人是立體式的思考，從每一個環節來為歌手思考設計。把話再說白一點便是，對歌手進行全方位的了解后為他量身訂造屬于他專屬的歌。這不僅僅是過去李宗盛做過的事，同時也是唱片公司A&R部門在做的事。A&R部門一直是西方流行音樂工業里最玄乎的存在，他們扮演的是創意管理者的角色。后來臺灣在跨國唱片公司進來后，自然也把這套“玄術”做了很充分的發揚。在A&R的主導下，公司確定了藝人的發片計劃，在開案之初便要先決定歌手的市場定位和專輯的音樂方向，之后再找適合的制作人，以及為歌手收歌。之后A&R部門便會聯絡各大詞曲版權公司和音樂創作人，將需要的歌曲類型告知，等待收到量身定做的歌曲，并從中挑選符合之前定位方向的歌曲收進專輯當中。在這樣的鏈條里，上述的三種類型制作人也就相應而生，并且與之后出版的專輯和歌手有了一種親疏不一的連結。

　　盡管A&R這個字眼，從來沒有在劉洲的采訪里提到過，但如果把他定位制作人的工作拆解，你會發現兩者實際上是有異曲同工之處。只是單曲時代和綜藝節目在大陸的娛樂環境發展之快競爭之猛，把過去本來應該在一張專輯里完成的10首歌，被提前切割分散到了不同的綜藝和數字平臺上，于是每一首歌，無論它是出現在網綜，還是數字網站，它必然要求制作人帶著A&R的意識去工作，一首歌就是一個爆款的機會。回到譚唯唯《華陰老腔一聲喊》的例子。劉洲的思考的重點首先是給譚唯唯找到別人都沒有在做的事情，那怕開始看上去它可能不會在市場上引起很大的反響，但只有你自己知道，這個是所有一切的核心，是能引起核變的。2006年林兆華導演的《白鹿原》融入華陰老腔的表演，一演30場，震動京城，之后經國務院批準列入第一批國家級非物質文化遺產名錄。10年后，劉洲把華陰老腔與流行搖滾做了一次融合，在傳統老藝術與流行音樂之間釘了一個縫，把譚唯唯卡到這個縫里面，事情便開始成型了。在《中國有嘻哈》里，劉洲便把這種釘縫的本事用到了Gai身上。Gai身上的個性特點實際上非常明顯，地方方言說唱，性格狠、現場噪能量足。在這樣的基礎上，劉洲加入了偏古風一點的編曲，典型的是《假行僧》(譚唯唯在《中國新聲》的節目上也唱過)和總決賽里的幾首，原本的地下色彩減少了，甚至也不是很正統的嘻哈音樂了，但在綜藝舞臺的審美框架里，這樣的編曲有它的作用和意義。實際上，《中國有嘻哈》比起之前幾檔音樂綜藝節目，劉洲在里面的作用是相當隱性的。不象《金曲撈》，舊歌本身的韻味已經是過去式，怎么改都可以，也容易出成績;也不象《蓋世英雄》，有電音這個大命題，對有電音聆聽基礎的人，改得好不好，一聽基本上能有個大致的判斷。《有嘻哈》更像一個反向的命題作文。你怎么改，它都離不開嘻哈這個頂層建筑，而且部分的選手本身也有一定的創作能力，怎么樣在保留他們的flow的基礎上，加點油添點醋，能讓這些本來透著地下味道，甚至有些還相當原始粗糙的作品能登上綜藝的舞臺，受著幾千萬人的審閱，對劉洲來說，這背后的難度比起前幾檔音樂節目有過之無不及。

　　劉洲其中一個厲害之處，是他對各種音樂風格的包容和運用。作為制作人，熟知各種風格本是份內事，但怎么用則有學問，也和每個制作人的人生經歷息息相關。出生音樂世家，從小學習樂器，11歲開始學習編曲，15開始進入音樂編曲的行業，24歲開始當起了職業的編曲人。坊間流傳的這些履歷，一直缺少對劉洲音樂經歷里很重要的一環，就是他身為音樂劇制作人的身份研究。劉洲一共制作過四套音樂劇，最早的一部是2009年開心麻花的《白日夢》。這場音樂劇里充滿著街舞、Poping、摩登舞這些當時看來非常時髦的舶來的時尚元素，劉洲當時把中國傳統音樂放進了這些舶來品里，營造出一種魔幻的反差，充滿著那個年代獨有的青春的荷爾蒙。在這四部劉洲擔任音樂總監的音樂劇里，不得不提的是《昆侖神話》。

　　在這部穿越式音樂劇里，出品人人王瑜當初給到劉洲的命題只有“要有東方元素卻要用國際化手段表達”這么一段話。結果劉洲做出了包括王瑜在內所有出品人認可的成品。在整部劇21個唱段，劉洲用上了很多種的音樂表達語匯，整體音樂雖然仍然以該類主題音樂劇慣常的蒙藏民族元素為主，但實際上表達上用的卻是西方流行音樂的手法。音樂劇，講究舞臺的音樂張力，舞臺上的戲劇感、沖突感、畫面感統統由音樂去推動塑造。有過音樂劇的創作和制作經驗，你就不難理解，劉洲為什么能在融合這個手法下，做出像《華陰老腔一聲喊》、《假行僧》這些本身具有舞臺張力的“炸歌”，也能在《我是歌手》的舞臺，找來一眾民族音樂好手為韓紅貢獻出一首《莫尼山》。同樣，能理解，在融合、民族、地方、傳統、現代這些關鍵詞之下的劉洲為什么把玩方言說唱的Gai簽到了自己靡下。

　　《有嘻哈》第10期，劉洲對黃旭的《天堂來信》的評價是“我知道你在玩什么，也知道你在設計什么，我也知道你的flow為什么要這么去排，但有一點不要忘了，贏得大眾的心，你就贏了世界”。這番點評，在《有嘻哈》的舞臺背景之下，既是劉洲的制作人觀，也藏著音樂這個行業，贏大眾和做自己之間，不能盡表的修煉之術吧。